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Being &Becoming
Valeentina Rodrigues Da Rocha
2026Actualmente, vivimos la moda desde ciclos productivos acelerados e industrializados, siendo cada vez más difícil volver a lo imperecedero. Las casas de moda, que antes actuaban con ritmos calmados, se encuentran operando bajo un calendario acelerado, presentando de 4 a 6 colecciones anuales. Contribuyendo a la pérdida de valor del tiempo, el saber hacer y la creatividad. En sus colecciones comerciales cada vez vemos menos atención en la construcción de las prendas, y a más aún en sus materiales y acabados. Este proyecto tiene como objetivo analizar y reinterpretar las técnicas constructivas de la Alta Costura. Se pretende aprender y recuperar la rigurosa dimensión arquitectónica de la costura, al igual que resignificar los materiales, y así poder rescatar el valor de la construcción interna de la prenda como núcleo de innovación y creatividad, proponiendo una mirada que genera contrastes entre lo visible y lo oculto. Aportando una reflexión crítica que exponga el mérito del trabajo manual, la imaginación y la ingeniería de la prenda
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Buró. Simbología floral como archivo cultural. Una lectura del encaje europeo
Lucía Díaz Baena
2026Este proyecto se centra en la creación de Buró Estudio, una marca de moda femenina de lujo contemporáneo que nace desde la artesanía, la memoria y el cuidado del detalle. A partir del estudio del encaje floral europeo, entendido como archivo cultural y no sólo como técnica artesanal, se explora cómo los motivos florales han funcionado históricamente como un lenguaje capaz de contener identidad, emociones y diversas formas de entender la belleza. Desde una aproximación interdisciplinar, que combina historia de la indumentaria, semiótica y análisis visual, la investigación propone una nueva lectura del encaje floral en la actualidad. Esta reflexión se conecta con el pensamiento de Marcel Proust, donde los objetos dejan de ser materiales sin más para convertirse en un espacio donde la memoria permanece y se recobra. Al mismo tiempo, el proyecto conecta con la economía de transformación (Pine y Gilmore), entendiendo la moda como una experiencia que va más allá del producto y que es capaz de generar un cambio en la persona que la habita. Buró concibe las piezas como una combinación entre lo material y lo vivido, y entre lo que recordamos y lo que seguimos construyendo. El resultado se materializa en una propuesta de marca y en la colección Reliquia, donde el encaje, las transparencias y las capas funcionan como metáforas del tiempo. La combinación entre estructuras más definidas y materiales ligeros, como las gasas, construye ese equilibrio constante entre firmeza y fragilidad. Cada prenda es una reliquia contemporánea, capaz de guardar historias invisibles y de hacer tangible aquello que el tiempo transforma pero no borra
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CUNS27. La identidad afroeuropea
Sofía Manuela Adon Cuns
2026Una colección conceptual, concebida para hombre y mujer, que dialoga por la estética y su producción entre Costa de Marfil y España. Se realizará una investigación de técnicas artesanales, materiales y siluetas tradicionales de ambas culturas. A partir de este estudio, se realizará una reinterpretación contemporánea que integrará dichos elementos en un lenguaje estilístico vinculado al streetwear. De esta manera, se busca desarrollar un lenguaje de diseño único que trascienda fronteras y temporalidades a través del análisis crítico de los cánones estéticos eurocéntricos y culminando en la creación de una colección que emplea procesos sostenibles y materiales reciclados, sirviendo esta circularidad como una potente metáfora de la reconstrucción y redefinición identitaria en el diseño actual. La metodología empleada atiende a un enfoque cualitativo de carácter teórico-práctico, un análisis documental y, a su vez, una experimentación proyectual. Se emplearán tanto fuentes primarias, como, por ejemplo, pruebas de patronaje, realización de muestras de técnicas artesanales y experimentación textil; como fuentes secundarias, que engloban toda bibliografía sobre la moda, colonialidad, identidad cultural y estudios de la economía circular en la industria, además de referencias artísticas dentro del marco conceptual. De este modo, la utilización de materiales reciclados en las obras de El Anatsui e Ibrahim Mahama servirán de modelo referente de cómo lo material puede convertirse en conducto de memoria, resistencia y significado cultural. Así, la colección se plantea también como un gesto de resistencia frente al olvido cultural y a la homogeneización global. La reutilización de materiales y la circularidad funcionan como crítica a los modelos extractivistas heredados del colonialismo, pero también como alternativa viable dentro de la moda contemporánea. Cada prenda no se entiende únicamente como un objeto de vestir, sino como un espacio de encuentro, donde quien la porta se convierte en narrador y portador de esta fusión de culturas.
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Kuerobo
Marta Martínez Bajo
2026Un barrio muy concreto de Tokyo, Harajuku, se señala como el origen del streetwear japonés, siendo tal su relevancia que dio nombre a un estilo en sí mismo: el estilo Harajuku. Durante los años noventa, el maremágnum de influencias provenientes de Europa y América que llegaron a Japón, todas al mismo tiempo, dieron origen a un estilo único. Los jóvenes tomaron de ese caos lo que más resonaba con ellos, lo transformaron y lo hicieron suyo. De esta manera, el estilo Harajuku se convirtió en la viva manifestación de la autoexpresión, mostrando tantos matices y elementos diferentes como personas vivían en ese lugar. Es precisamente esa idea, la moda como expresión de identidad personal y de rebeldía, donde se apoya este proyecto. Se propone, en primer lugar, una investigación sobre el origen y la evolución del streetwear japonés, así como el análisis de su posterior influencia en la moda contemporánea, no sólo en Japón, sino en todo el mundo. Asimismo, se plantea la creación de una colección de moda que funcione como reflejo visual de esta investigación. Inspirada en el estilo Harajuku y el streetwear de Urahara, el objetivo es recoger las referencias estéticas y el trasfondo de los valores de ambos estilos y realizar una reinterpretación enfocada hacia un público actual en Occidente. Todo ello enmarcado en una imagen de marca donde el diseño gráfico y la fotografía estén muy presentes, rindiendo homenaje a las revistas japonesas de los años noventa y los dos mil y representando esa libertad artística y experimental de Harajuku.
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Papiyon Volé. Revela tus alas
Taina Marie Abelli
2026Proyecto de creación de una marca comercial de ropa para mujeres para ocasiones especiales que tiene como objetivo integrar y fusionar la responsabilidad social con la creatividad, la artesanía y la fantasía. Basada en un modelo de negocio made-to- order y made-to-mesure, la marca promueve el valor de la calidad sobre la cantidad y busca generar prendas que se adapten al cuerpo de sus clientas, confeccionadas con cuidado y atención a los detalles, siguiendo un proceso de producción responsable y ético. Como misión principal, la marca aspira a transmitir emociones positivas y llevar magia a los momentos cotidianos de sus clientas, además de difundir el valor de la artesanía y de la costura. Por ello, se analizará la capacidad que tiene la moda para influir en el estado de ánimo, y se investigará la noción de fantasía, el poder de los cuentos de hadas y su uso potencial como herramienta para elevar el estado emocional de las personas, con un enfoque y una aproximación desde y en el mundo de la moda. Como objetivo general, se busca difundir el amor de la diseñadora por la artesanía, aportando fantasía y alegría a la vida de sus clientas, a través de un modelo de negocio basado en los principios del slow fashion. De manera más específica, se quiere lograr conciliar sostenibilidad con creatividad y fantasía de manera óptima, llegar a generar el impacto positivo deseado sobre las clientas, y sacar una primera colección que refleje la misión de la diseñadora.
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The return of gesture
Cristina Gelabert Álvarez
2026Este proyecto propone situar la indumentaria como un medio capaz de democratizar el acceso al movimiento consciente, entendido como un lenguaje corporal relegado históricamente a los márgenes de la vida cotidiana. Partiendo de la crítica a la pasividad perceptiva del espectador contemporáneo descrita por autores como Claire Bishop (1971), el estudio examina cómo la aceleración social ha erosionado la capacidad de sostener una experiencia directa del cuerpo. Frente a esta tendencia, el proyecto plantea la necesidad de reactivar la percepción corporal y devolver al individuo la posibilidad de experimentar el movimiento como forma de conocimiento y agencia. El trabajo recorre inicialmente los orígenes del movimiento como forma social de expresión, comunicación y encuentro, analizando su posterior institucionalización y olvido dentro de la modernidad. Se estudian las propuestas liberadoras del postmodern dance, especialmente artistas como Anna Halprin (1920- 2021). Asimismo, se revisan las aportaciones de la Internacional Situacionista (1958-1972), cuyo análisis del “espectáculo” (Guy Debord 1931- 1944) y prácticas permiten comprender cómo el espacio urbano disciplina el movimiento y limita la percepción del cuerpo. A partir de estas referencias teóricas, el proyecto investiga la indumentaria como microespacio performativo que acompaña al individuo en su vida cotidiana, se transforma con el gesto y permite instaurar un espacio lúdico sin necesidad de infraestructura externa, supliendo por tanto las limitaciones de la arquitectura experimental. Culminando con la propuesta de una serie de prendas dinámicas que modifican su morfología visual con el movimiento. Acompañadas de scores corporales que dirigen la atención hacia sensaciones específicas. Mediante la interacción entre cuerpo, textil y gesto, se analiza cómo estas prendas pueden interrumpir patrones de movimiento condicionados por el entorno y favorecer formas de agencia perceptiva que reactiven la presencia, la atención y la inquietud del usuario en su día a día. Promoviendo como consecuencia la curiosidad y el intelecto social.
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Xukenea
Xabier Urquizar Calviño
2026El proyecto se puede definir como una colección de sastrería experimental. Moda contemporánea enfocada en el genderless, la adaptabilidad y la modificación de las prendas, con raíces en la vida portuaria y en la labor de los pescadores del País Vasco. La industria de la moda posee un ritmo acelerado marcado por las tendencias efímeras, esto ha terminado haciendo que la producción sea masiva, y de prendas de baja calidad y con escasa durabilidad, como si fueran productos de usar y tirar. Esta dinámica se debe a un modelo de consumo muy rápido, creado por las redes sociales y la constante necesidad de buscar lo nuevo, que impulsa un hábito de compra inmediata y desenfrenada, como refleja Li Edelkoort en su manifiesto Anti-Fashion. Al mismo tiempo, el cuerpo adulto, por múltiples factores, es cambiante, por lo que obliga muchas veces a comprar ropa nueva, tirando la que ya no vale. De este modo, la moda actual, aparte de que está pensado para que consuman constantemente y generar beneficios económicos para las marcas, genera problemas de sostenibilidad y una falta de practicidad, que respondan a los cambios naturales del cuerpo y a la necesidad de prendas más versátiles y duraderas. Partiendo de ese punto la colección se basa en la sastrería tradicional que tiene como enfoque la adaptabilidad, la modificación y en el concepto genderless de las prendas, como Margiela, Yohji Yamamoto, Sacai o Hed Mayner, que pretenden, expresan y fomentan estos valores o conceptos en muchas de sus colecciones, deconstruyendo prendas o haciendo uso de diferentes técnicas. Convirtiéndose así la propuesta en una colección de sastrería contemporánea, que trasciende el tipo de cuerpo, el género y los cambios durante la vida adulta. La colección en su esencia se centra en la vida portuaria y los pescadores del País Vasco, logrando así dar visibilidad a un oficio ancestral totalmente arraigado a las raíces y a la tierra, como hicieron anteriormente artistas como Sorolla, La vuelta de la pesca, o Enrique Albizu, Familia del mar, evocando o cogiendo como referencia a la costa, el aire, el mar… o diseñadores como Craig Green que muchas veces toma de inspiración las prendas de trabajo. Este proyecto nace por diferentes motivos. Por una parte, con el objetivo de cuestionar la temporalidad con la que hoy en día se consumen las prendas, proponiendo prendas con mejor calidad y acabados, prolongando la vida útil de estas el mayor tiempo posible. Mediante la sastrería, el patronaje y diseño de prendas adaptables y modificables y materiales de calidad, se busca explorar nuevas formas de crear prendas duraderas y adaptables. Al mismo tiempo, otro de los objetivos es aprender, experimentar y mejorar en técnicas de confección y patronaje, experimentar con nuevas técnicas, materiales y diferentes manipulaciones textiles, ampliando así recursos creativos.
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Yí Collective
Alba Gordillo Juan
2026El presente proyecto se basa en el desarrollo de una marca comercial de prêt-à porter de lujo, que concibe la moda como lenguaje artístico, humano y culturalmente significativo. La propuesta se fundamenta en la recuperación y la reinterpretación de valores y técnicas tradicionales de la artesanía china, en particular la caligrafía, la pintura y la vestimenta, para integrarlos en un marco contemporáneo de diseño europeo, a través de la producción de prendas unisex. El objetivo principal es posicionar la marca como una casa de moda conceptual de referencia internacional, capaz de actuar como puente intercultural entre Oriente y Occidente y como medio para preservar la herencia china. Para ello, el proyecto asume la artesanía china como memoria cultural viva, incorporando sus valores como motores creativos que guían un modelo de negocio sostenible, responsable y ético. El propósito consiste en construir un entorno intercultural que perdure, mediante la generación de una comunidad creativa, que encuentre en la marca un espacio de diálogo para conectar con sus raíces y con el valor de la pausa. De esta manera, se transforma el acto de vestir en una experiencia de conexión, reflexión y valor duradero
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Aniela (2025)
Blanca Vadillo Sánchez
2025Hay cosas que no se dicen, pero permanecen. Una prenda, a veces, es eso: una forma de quedarse, de insistir sin imponerse, de sostener algo que aún no tiene nombre. Este proyecto no propone una respuesta, sino una serie de aproximaciones a través del diseño, el cuerpo y el tiempo. Se parte de una pregunta simple pero insistente: ¿qué significa permanecer cuando todo parece pensado para desaparecer? En un contexto marcado por la velocidad del consumo, por el ritmo acelerado de una industria que produce sin pausa y olvida con rapidez, Aniela propone otra temporalidad. Una más atenta, más situada. Un modo de hacer que no se deja arrastrar por lo inmediato, sino que se detiene en lo que resiste.
El recorrido se articula en torno a tres ejes que se entrelazan como capas. Uno: el permanecer, no como quietud, sino como forma de presencia. Dos: la fragilidad como posibilidad, como borde, como apertura. Tres: la prenda como archivo, como superficie desde la que el cuerpo no solo se cubre, sino que recuerda. No hay un discurso total, sino una constelación de signos. Un lenguaje silencioso que se cuela en las costuras, en los márgenes, en lo que no busca ser evidente. Aniela no es una marca, no es una simple colección.
Aniela es un proyecto que piensa desde el cuerpo, que escucha desde lo que no grita, que habita el diseño como una forma de insistencia. Un intento de mirar desde otro sitio. Un archivo que no documenta, sino que vibra. Prendas que no explican, pero acompañan. Que no cierran, pero se quedan.
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A.R.A.Y. (2025)
Lucía Martín Romero
2025El proyecto pretende ahondar el concepto de identidad individual y como a través de las experiencias personales y el papel de los recuerdos esta se va moldeando a lo largo del tiempo, en un proceso que teóricamente no encuentra un punto final. A su vez, se trata de manera subyacente el término autoconocimiento, como parte del proceso de construcción identitaria, y como permite comprender nuestras emociones y la forma en la que actuamos. Se busca identificar y tratar aquellos factores que influyen y definen dicha identidad, haciendo especial énfasis en los recuerdos personales, utilizando como base teórica la obra “EL BAZAR DE LA MEMORIA. Cómo construimos los recuerdos y cómo los recuerdos nos construyen” de Veronica O´Keane. Del mismo modo, se vinculan dichos temas con la industria de la moda, tratando su influencia en el proceso creativo y como este sirve de herramienta de comunicación y conexión con el espectador. Para llevar a cabo el proyecto, se recurre a la investigación teórica de la identidad, los recuerdos y las emociones en el proceso creativo.
La investigación culmina con la creación de una marca comercial que surge como un proyecto de introspección personal, con la que se busca crear una comunidad entorno a emociones y experiencias compartidas.
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BIBI Canto (2025)
Gina Irene Canto Porcella
2025La vestimenta desde sus inicios además de ser utilizada como protección para el cuerpo humano, ha llevado hilada en sí misma connotaciones sociales y políticas que llegan a expresar la identidad individual y colectiva de una persona. La moda utiliza códigos y símbolos visuales que adornan y expresan algo sobre cada individuo, ayudándolo a diferenciarse y a la vez integrarse a un colectivo. En el presente trabajo se estudia la manera en la que la moda puede ser utilizada como una herramienta para expresar la identidad cultural de las personas, indagando en específico sobre la cultura de la República Dominicana con el objetivo principal de que los dominicanos en diáspora puedan reconectar con sus raíces y cultura a pesar de la distancia que pueda existir.
La metodología que se desarrolló consta de un proceso de investigación compuesto por 3 epígrafes que son: Sociedad y Diáspora, en el que se analiza los procesos históricos de la isla y como su historia ha derivado a procesos de transculturación a raíz de las diásporas. Identidad Cultural y el vestir, que indaga sobre la necesidad humana que tiene cada individuo para encontrar su identidad y relacionarse con un colectivo, al igual que explora las maneras en la que la moda ha sido un puente para expresar al exterior la identidad de una persona. y por último, Donde el pasado viste al presente, que habla sobre las técnicas y las referencias visuales principales que se van a reinterpretar de manera contemporánea en la moda para alcanzar los objetivos del proyecto. Además, se ha realizado un proceso creativo de investigación basado en archivos de imágenes familiares de escenas costumbristas, paisajes y arquitectura de la isla, que han sido utilizadas como referencia estética y gráfica.
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Frail state of mind (2025)
Dulce Paola Calamaco López
2025Este trabajo aborda el análisis de las nuevas masculinidades a través de la vida y obra de Federico García Lorca, explorando cómo el autor utiliza el simbolismo para cuestionar las estructuras tradicionales de género. Con un enfoque interdisciplinar que incluye historia y teoría de la literatura, literatura comparada y estudios de género, este estudio examina cómo el arte puede convertirse en una herramienta para redefinir la identidad y promover la inclusión.
A lo largo de este análisis, se busca destacar la capacidad del arte para abrir nuevos caminos en la comprensión de las masculinidades y la expresión emocional en las sociedades contemporáneas.
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Gemmas (2025)
Marta Cuacos Lirón
2025Este trabajo de Fin de Grado explora la relación entre el arte, el trauma y la moda, enfocándose en cómo los diseñadores de moda han utilizado su propio sufrimiento emocional y psicológico como fuente de inspiración creativa.
A través de un análisis de la obra de Alexander McQueen, se investiga cómo el trauma personal puede reflejarse en los procesos creativos y cómo la moda, al igual que otras formas de arte, puede funcionar como una herramienta terapéutica para la autoexpresión y la catarsis. Además se explora la relación entre la psicología humanisa, la arteterapia y el arte como medio para liberar emociones reprimidas.
Este estudio pretende demostrar que la moda puede ser entendida no solo como una manifestación estética, sino también como una forma de abordar y transformar experiencias traumáticas, tanto a nivel personal como colectivo. La metodología empleada se basa en el análisis de casos emblemáticos, teorías psicológicas y el estudio de la arteterapia, con el objetivo de ofreceer una comprensión más profunda de como el arte y especialmente la moda, pueden ser medios poderosos de sanación y expresión emocional.
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Irati. Islas desafortunadas preservando Canarias a través de la moda (2025)
Irati Gonzalo Guerendian
2025El objetivo de este proyecto es proporcionar una perspectiva auténtica sobre las consecuencias que tiene el turismo masivo y cómo arrasa con la identidad cultural de las Islas Canarias. Con ello se hace una denuncia social expresando la necesidad de cambio. En definitiva, el objetivo principal de este proyecto es hacer una declaración acerca de la importancia que tiene preservar la cultura y medio de Canarias, y cómo enfrentarse ante grandes desafíos estructurales es aún una tarea pendiente.
Así pues este trabajo utilizará la moda como altavoz de un problema sistemático que existe en las Islas Canarias desde hace décadas, a través de la colección Islas Desafortunadas, dónde se visibilizan injusticias y el impacto que tienen en una sociedad autóctona silenciada.
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Kartemisia by Ivank (2025)
Iván Parra Martín
2025IvanK se fundamenta en la exploración de la androginia y la identidad. Surge como una extensión de mi alter ego, un vehículo para construir un universo personal en el que la creatividad y la autoexpresión se entrelazan. Representa un espacio donde el diseño se convierte en un lenguaje para romper barreras y generar diálogo.
Desde su concepción, IvanK busca desafiar las normas de género y ofrecer prendas que trascienden las limitaciones tradicionales. Cada pieza refleja una fusión de estéticas: desde el dramatismo oscuro del barroco tenebrista, hasta la energía irreverente del punk y la libertad de la cultura rave. Estos elementos no solo son referencias visuales, sino un manifiesto creativo que habla de identidad, resistencia y expresión auténtica.
El barroco tenebrista es uno de los pilares fundamentales de mi visión artística. La intensidad de los contrastes de luz y sombra de las obras, al igual que esas representaciones crudas y realistas, son referencias clave. Me inspiro en cómo estos artistas transformaron emociones intensas en imágenes impactantes, algo que busco replicar en los diseños de mis prendas, combinando dramatismo y reivindicación. A esta influencia se suman el punk y la estética rave. El punk, con su espíritu de rebeldía y crítica social, se refleja en detalles como texturas desgastadas o abalorios metálicos, pero también en la actitud de no conformarse con lo establecido. Por otro lado, la cultura rave, con sus orígenes en el universo queer, aporta una conexión con la libertad de expresión y la euforia colectiva, añadiendo un dinamismo único a mi trabajo.
IvanK se dirige especialmente al público queer, pero sus prendas están diseñadas para cualquier persona que desee expresarse más allá de las normas. Mi objetivo es crear moda que no solo sea visualmente impactante, sino que también ofrezca un espacio de representación y libertad.
Cada prenda de IvanK cuenta una historia. Es una pieza de resistencia, de autenticidad, de conexión con quienes buscan libertad creativa y empoderamiento personal. IvanK no solo se limita a crear ropa: es un movimiento que invita a abrazar lo que somos y a asumir nuestra identidad sin miedo.
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KM 0 (2025)
Alisson Camila Jiménez Neuman
2025La migración es un fenómeno que ha acompañado a la humanidad a lo largo de su historia, siendo un motor de transformación social, económica y cultural tanto para las regiones que envían como para las que reciben migrantes. España ha sido un destino clave para millones de personas, especialmente provenientes de América Latina, gracias a factores como la afinidad cultural y lingüística, las oportunidades económicas y las políticas migratorias implementadas en distintos momentos.
Este análisis se centra en los flujos migratorios hacia España en los 2000 (que fue el año en el que hubo más inmigrantes a lo largo de la historia española), explorando a fondo cómo se representa la experiencia de la comunidad latina, poniendo énfasis tanto en las dificultades y desafíos que enfrentan como en el sentido de orgullo y resiliencia que caracteriza a esta población. Destaca la riqueza de su legado cultural, la fuerza de sus valores y la manera en que, a pesar de sus obstáculos, esta comunidad mantiene vivo un legado de lucha, unidad y esperanza en la cultura de destino y su supervivencia.
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Maschera. Una nueva vestimenta para Pulcinella (2025)
Alejandra Hergueta Ochando
2025El presente Trabajo de Fin de Grado tiene como objetivo la creación de un portfolio que profundiza en el concepto del Theatrum Mundi a través de la figura del Pulcinella, personaje emblemático de la Commedia dell’Arte que re-actualizamos en clave socio-política a través del estudio del contexto histórico y de la evolución y desarrollo de este a lo largo del tiempo. A través de la comparativa entre Polichinela, Theatrum Mundi y Commedia dell’Arte, estableceremos un diálogo con los valores culturales contemporáneos. Finalmente, el trabajo propone una relectura estética de la figura de Polichinela, trasladándose al ámbito de la moda como medio de expresión visual. La propuesta busca a través de la creación de prendas, reflejar la conexión entre el pasado y el presente, concibiendo la moda como un sistema de signos.
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Miilt: el fenómoeno Kawaii y orígenes subculturales para la creación de una marca comercial (2025)
Lucía Urreta Zubiria
2025La palabra kawaii, de origen Japonés, es actualmente utilizada de forma común para referirse a objetos y personas adorables. Se trata de un concepto asociado a aquello que puede transmitir ternura y se ha convertido en una estrategia de producto excepcional por la capacidad de conectar emocionalmente por el cliente. El concepto kawaii no tiene presencia solamente en los bienes, sino que ha generado un impacto dentro de la sociedad japonesa, causando la emergencia de subculturas que utilizan estos elementos como una rebeldía silenciosa hacia su sociedad tradicional. A lo largo de esta investigación, se analizarán el impacto de este concepto en la cultura japonesa, así como las influencias de otros movimientos subculturales como el punk y los new romantics en el desarrollo de la cultura alternativa japonesa, además del porqué han impactado en dicha sociedad teniendo un plano socioeconómico diferente, de una manera más pacífica, asociada a la identidad colectiva. Dentro de las subculturas japonesas, se ha centrado en el EGL (Elegant Gothic Lolita) para utilizar esta técnica de soporte estético y de investigación. Se han analizado los orígenes de esta, así como su nombre y la controversia que puede crear en occidente, además de la particular estética, influenciada por movimientos artísticos de la época del Barroco y el Rococó, que justifica las prácticas, filosofía e identidad colectiva.
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Mombyry Guive. Desde muy lejos (2025)
María Camila Solalinde Melgarejo
2025Este proyecto de final de grado se centra en la creación de una marca personal basada en la comparación de la influencia española en la vestimenta paraguaya en el siglo XVIII. La investigación se enfoca en como la moda de la época llega a trascender lo estética, reflejando historia, valores e identidad incorporando aspectos tantos paraguayos como europeos, en este caso de España.
El proyecto pretende crear una colección en donde se reinterprete piezas tradicionales paraguayas femeninas fusionándolas con piezas de origen español, incluyendo figuras e influencias históricas de la época. Así también, se busca honrar la herencia compartida destacando el valor culturar de ambas partes y demostrar como la moda puede ser un medio de conexión entre pasado y presente intentando aportar nuevas perspectivas sobre identidad.
El objetivo general es diseñar una colección que resalte la relación entre España y Paraguay, fomentando técnicas y elemento artesanales fortaleciendo la tradición en la moda contemporánea
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Monólogos de Yoshiwara (2025)
Alicia Romero Faus
2025Este Trabajo de Fin de Grado busca entender por qué las oirán, mujeres cortesanas de alto rango, que vivían en el barrio del placer de Yoshiwara en la Época Edo (1606-1863) (Japón, Tokio), durante el shogunato de Tokugawa, eran tan deseadas y reconocidas por sus vestimentas ornamentadas.
Las oirán eran reconocidas por ser especialmente atractivas, con una educación excepcional en las artes del entretenimiento, música, juegos de mesa, baile, cultura y por supuesto artes amatorias. Tanto era su prestigio que los ciudadanos pudientes de Edo podían llegar a pagar el sueldo de un año completo por una noche con ellas, y sus privilegios eran tales que podían elegir a sus clientes. Muchos artistas las representaron en sus obras como mujeres bellas y sensuales, contando con propio género artístico: el bijin-ga, dentro del arte japonés ukiyo-e, donde las mostraban con caras largas y pálidas, intrincados peinados y capas y capas de kimonos que tapaban sus cuerpos.
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Nais. Convergencia entre el diseño gráfico y el diseño de moda: tipografías y tatuajes (2025)
Alba Morán Diez
2025Cuando se habla de convergencia, se hace referencia a el proceso de dos conceptos de acercarse a un punto común. Esto implica una relación entre dos disciplinas que pueden coexistir o estar unidas de manera profunda. Dentro del arte hay muchas ramas que comparten ciertos aspectos comúnes aunque su enfoque y propósito sea distinto, el diseño gráfico y la moda suelen influirse mutuamente aunque ambos sectores son opuestos.
El diseño gráfico se entiende como un arte que transmite ideas de forma visual a través de imágenes, símbolos... Se centran en lo gráfico trabajando con imágenes, composiciones, colores y tipografías para crear obras que informan o conmueven.
El diseño de moda esta orientado a la creación de ropa que no solo satisface las necesidades primarias sino que ayuda a fortalecer la identidad personal de cada individuo. La moda influye en la forma en que las personas se perciben a sí mismas y su relación con el entorno. A pesar de sus diferencias, ambas comparten el enfoque en la comunicación visual y la expresión estética, y a menudo se interrelacionan, estableciendo una relación simbiótica que impulsa su desarrollo mutuo.
La necesidad de mi proyecto es mezclar dos mundos que me apasionan, quiero hacer un TFG que demuestre completamente mi personalidad, que refleje todo lo que me gusta de ambas disciplinas. Pretendo demostrar que dos mundo aparentemente opuestos pueden tener puntos en común que los hacen complementarios.
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Nonsense (2025)
Noor Yahya Hassan
2025Este TFG analiza el impacto del consumismo en nuestra sociedad y cultura contemporánea, centrándose en la evolución histórica, sus efectos sobre las dinámicas sociales y culturales, y presentando las posibles alternativas sostenibles al modelo del consumismo actual. Partiendo de un enfoque interdisciplinario, que incluye elementos de teoría social, psicología del consumo y estudios culturales, en el trabajo se profundiza en cómo el consumismo ha transformado las relaciones humanas, identidades culturales y las interacciones con el medio ambiente. La metodología utilizada incluye una revisión bibliográfica de autores relacionados con el ámbito, como Bauman, Kasser o Guy, con un análisis crítico de fenómenos actuales vinculados con el consumo. Los objetivos generales son comprender raíces del consumismo, evaluar los impactos en el mundo occidental y explorar algunas alternativas más equitativas y sostenible; además, se pretende aportar una visión crítica al debate sobre el consumismo y sus implicaciones sociales y ambientales.
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Revitaización de Late Checkout (2025)
Daniel Martín Rodríguez
2025Este Trabajo de Fin de Grado aborda la revitalización de Late Checkout, una marca española de moda urbana que ha logrado posicionarse en el panorama contemporáneo gracias a su propuesta estética inspirada en el universo hotelero y a un storytelling que aúna lujo accesible, cultura digital y exclusividad. Fundada en 2019 por el estilista Alex Turrión, la firma se enfrenta actualmente al reto de consolidar su identidad independiente, alejándose estratégicamente de su asociación inicial con figuras mediáticas como C. Tangana, sin renunciar a los valores que cimentaron su éxito.
El proyecto se estructura en tres fases: análisis de contexto y mercado, redefinición estratégica y propuesta creativa. A través de una metodología cualitativa apoyada en estudios de caso, se identifican las claves de un nuevo posicionamiento para Late Checkout, centrado en la autenticidad narrativa, la digitalización y la expansión internacional. Se plantean acciones innovadoras como el fortalecimiento del universo ficcional “The Hotel”, la implementación de tecnologías inmersivas en su e-commerce, la creación de experiencias físicas personalizadas y colaboraciones estratégicas con agentes culturales fuera del ámbito musical.
Los resultados demuestran la importancia de una narrativa coherente, diferenciadora y evolutiva para conectar emocionalmente con un consumidor joven, digital y consciente. Late Checkout se proyecta como una marca autónoma, culturalmente relevante y capaz de redefinir los códigos del streetwear premium, alineando exclusividad y responsabilidad ética en un contexto de alta competitividad.
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Second chances (2025)
Andrea Rodríguez Muñoz
2025Este proyecto tiene como objetivo desarrollar un concepto innovador que, en la actualidad, no se encuentra completamente consolidado. No se trata únicamente de crear una empresa, sino de proponer una solución integral. Desde hace décadas, la sociedad enfrenta un problema significativo relacionado con el consumismo. En este contexto, esta empresa nace con la intención de contribuir a mejorar esta situación, con la aspiración de dejar un legado más positivo para las generaciones futuras.
Second Chances surge con el propósito de gestionar los excedentes y stocks inmovilizados de la industria de la moda, planteando una transformación profunda del sector retail tal como se conoce actualmente. La personalización se erige como un elemento clave de esta propuesta, complementada por la generación de sinergias con otras industrias.
El comportamiento de la sociedad no cambiará, incluso frente a eventos disruptivos como una pandemia o una Dana. Por ello, la necesidad de transformación debe abordarse desde otros enfoques, como la gestión eficiente y responsable de esta problemática.
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Systm. Haciendo visibles los cuerpos invisibles (2025)
Natalia Guillén Rodríguez
2025Este Trabajo de Fin de Grado investiga cómo la moda ha contribuido a invisibilizar los cuerpos no normativos a través de la imposición de estándares estéticos excluyentes. Lejos de ser neutra, la moda ha operado como una herramienta de violencia simbólica, definiendo qué cuerpos merecen ser vistos y cuáles deben ser corregidos, tapados o ignorados.
Se analiza el impacto que estos ideales han tenido en la salud mental, especialmente en las mujeres, reforzando dinámicas de exclusión y jerarquías corporales que siguen vigentes, aunque ahora vengan disfrazadas de “diversidad”. También se cuestiona la autenticidad del discurso inclusivo dentro de la industria, que muchas veces utiliza el body positive como estrategia de marketing sin cambiar nada de fondo.
Este trabajo no pretende embellecer el problema ni suavizarlo con palabras bonitas. Se trata de exponer una realidad incómoda: que la moda ha enseñado a millones de personas a odiar su cuerpo. Y que ya es hora de dejar de aplaudir campañas vacías y empezar a señalar lo que sigue sin cambiar.
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